Georges Méliès x Smashing Pumpkins

Isso é o que acontece quando um equipamente de cinema cai nas mãos de um ilusionista francês... Georges Méliès é considerado o primeiro cineasta de filmes de ficção. Le Voyage dans la lune de 1902 é um de seus filmes mais conhecidos justamente por esse caráter futurista (lembrem-se que o homem so chega a lua em 1969). Em seguida veja o clipe Tonight tonight do Smashing Pumpkins inspirado nessa pérola de Méliès.

Arte cerebral

Até o dia 30 de abril fica em exposição no O instituto Cervantes a amostra "Paisagens Neuronais" em homenagem a Santiago Ramon e Cajal que ganhou o premio Nobel de medicina em 1906 por suas descobertas e registro sobre o sistema nervoso do ser humano. A exposição mostra fac-símiles de desenhos de Cajal e seus discípulos contrapondo-se com fotografias da vanguarda científica do sistema nervoso. Neste último bloco as obras contam com títulos dados por escritores, poetas e artístas o que torna a amostra mai interessante e por vezes engraçada.

Abstracionismo no Circuito das Artes

O circuito das artes propõe uma amostra de artes visuais exibindo obras de artistas baianos em três museus e três galerias, situados no corredor da vitória e proximidades. A iniciativa é interessante tendo em vista o pouco espaço que os artistas da cidade dispõem para divulgar o seu trabalho e, conseqüentemente, dos raros momentos em que o público poder ver uma coletiva tão numerosa somente com artistas baianos.
O Circuito das Artes é uma amostra sintomática: a Bahia tem muita produção e poucos metros quadrados para mostrar isso. Parece que a exposição almeja ser uma espécie de catálogo tridimensional do que é feito hoje na Bahia, mas no lugar da padronização promovida pela fotografia o recurso para o melhor aproveitamento do espaço foi a premissa de que as obras deveriam medir no máximo 30 cm x 30 cm. Em geral são em número de três e seguem o mesmo estilo, se auto-completando, ou mesmo formam uma seqüência, o que deixa a impressão que as obras foram feitas especialmente para a amostra. Não estão no meio da parede, solitárias como de costume. Agrupadas ou dispostas uma acima da outra, as telas passam a impressão que visito a cada espaço um novo número de uma revista em quadrinhos (ANEXO III). Algumas séries inclusive sugerem realmente uma história.
O Circuito das Artes serviu para movimentar de maneira diferenciada o mercado das artes na cidade. Foi uma boa oportunidade para que os artistas comercializassem suas obras e para os compradores também, pois a grande variedade de preços estava compatível com a diversidade de reconhecimento dos artistas e com o porte das obras. Vale frisar que a idéia da amostra partiu da Galeria ACBEU e isso justifica os rumos comerciais que a amostra toma.
O fato de a exposição estar distribuída em vários espaços constrói uma ponte entre o público e privado, entre galeria e museu, entre essas duas instâncias que parecem tão distantes e antagônicas, mas que ambas estão vinculados à difusão das artes. Interessante ver o museu quebrando barreiras e deixando a arte ser comercializada em seus espaços, o que há algum tempo atrás poderia ser considerado falta de ética. Essa ponte, além de promover um raro diálogo, serve para divulgar ambos os espaços dinamizando seus públicos, deslocando também o eixo das artes visuais do tradicional Museu de arte Moderna da Bahia.
O circuito exibe um pequeno panorama da arte produzida na Bahia e chama atenção pela diversidade de suportes, técnicas e propostas. Compõem a amostra instalações, vídeos, cerâmicas, pintura, escultura, collages... Em meio a essa multiplicidade de técnicas, no que tange as representações, teve espaço para o figurativo e para o abstrato, o que é um dado interessante que traz esse caráter arqueológico e incerto que a arte de hoje possui. Os artistas parecem sempre ter oscilado entre o clássico e o romântico, entre o racional e o irracional, entre razão e emoção, divididos em ciclos definidos. Porém chega um ponto em que a arte apresenta um certo hibridismo que não permite que esse ciclo se feche com clareza.
Duas composições Sem título do ano de 2009 de arte abstrata, uma de Luiz Varanda (ANEXO I) e a outra de Carmem Valente (ANEXO II), chamam a atenção em meio a maioria de obras figurativas. Pelo caráter abstrato essas telas têm muito em comum, mas também muitas diferenças, o que contraria o recorrente pensamento preconceituoso que ainda hoje perpassam sobre a arte não figurativa.
Nas peças de Varanda é possível perceber um elemento de temporalidade e de pesquisa na medida em que aparecem partes das telas em branco seguidas de sobreposição de cores. Apesar de em um primeiro momento essas parecerem ser apenas pinceladas displicentes, a obra se revela uma forma de expressão pautada nos artifícios da cor. As cores laranja e ciano vão se auto-sobrepondo como se fossem ondas e encontram-se até chegar ao preto, cor resultante que as define como complementares no que se refere a cor-pigmento. Dessa forma a obra parece representar as cores e suas sombras. Inclusive o ultimo quadro pode-se consideram um tanto mais “sombrio” que os demais.

Por outro viés temos a obra de Carmem Valente que já segue outra lógica na escolha das cores. O uso de tonalidades de verde com pequenos suaves contrastes de laranjas, cor-luz complementar, resultam numa obra mais luminosa. As pinceladas rápidas e a desordem da composição dão à obra um caráter de certa velocidade explosiva de temporalidade fracionária que não há na obra de Varanda apesar deste ter também um teor de caos e movimento.

Através desta análise podemos ver que obras como estas são para serem desconstruídas. O que nos salta aos olhos é um produto final resultado do suor do artista e muito da informação que podemos obter está contida na própria metodologia do criador da obra. Muitas vezes o processo é mais revelador que o próprio produto final, idéia que irá culminar nas performances tão em voga atualmente.
Ver essas obras no contexto da cidade de Salvador nos remete aos estudos de ótica, nas pesquisas das cores em Van Gogh, na ousadia colorida de Matisse e no desprendimento do representativo de Kandinsky, além de muitos outros ainda, se formos percorrer os encadeamentos da história da arte. Esses quadros não estariam aqui se não fosse toda uma trajetória de experimentação. Os artistas da Bahia também pintam dessa forma, o que mostra que no mundo em que tudo tem que ser racionalizado e objetivo a cores e seu teor subjetivo ainda fascinam os artistas de todo mundo.

Ballet Mécanique

Assisti esse vídeo na aula de história da arte contemporânea. Muito sem noção! Só podia ser uma aventura de artistas plásticos mesmo: Léger e Murphy. Foi considerado o primeiro filme cubista e faz uma comparação entre movimentos do homem e das máquinas. O audio é muito interessante, precussor do ruidísmo. Bebam umas doses, apaguem as luzes e viajem!

Almandrade, singularidade no cenário artístico baiano

Cada um pode preencher o vazio a sua maneira. Para o observador acostumado a ter uma obra “acabada” diante de si pode ser uma experiência de estranheza estar dentro da obra de arte. Uns podem ser barrados pelos elásticos, outros, quem sabe, ultrapassarão sem pudores esta barreira e os mais ousados poderão até se arriscar a utilizar a cadeira. Essa é a tônica que promete emanar da instalação Labirinto para o olhar, do artista plástico Almandrade, que ficará exposta até 4 de janeiro de 2009, na Galeria do Conselho, anexo ao palácio da Aclamação, Campo Grande.

Os visitantes encontrarão nada mais que o essencial. Em meio às paredes brancas são estendidos elásticos vermelhos e no centro uma cadeira de veraneio que no lugar do assento de lona apresenta também um elástico vermelho. Cada elemento tem o seu lugar bem definido que dialoga com o espaço e a luz. Essa última, teatraliza a cadeira e dá continuidade as formas retilíneas dos elásticos tencionados. Conceito e geometria, planejamento e execução percorridos com coerência precisa, característica do autor.

Labirinto para o olhar se relaciona com a construção nova que se dá a cada passo, a cada ângulo que se observa a disposição dos elementos de uma instalação. Pensamentos preenchem o estático vazio silencioso, recortado pela tensão dos elásticos, com tentativas de desvendar seu significado, de sair deste labirinto que por falta de uma obra referencial deixa o olhar do observador perdido...

O vazio, tanto como premissa na composição objeto-espaço-observador quanto pela ausência de elementos, faz parte do labirinto como uma ausência que carrega uma aura arqueológica e que absolutamente não é saudosista. Contesta não só a arte, mas sua embalagem, o invólucro proposto como ideal: o cubo branco, onde o silencio e o distanciamento são instituídos. Para Almandrade “Nesse espaço onde se cumpre religiosamente o ritual de olhar, o espectador se defronta com um pedaço de deserto, paredes brancas, quase nada para ver, somente as linhas definidas pelo elástico estendido, reflete”. O artista ainda completa “É permitido o devaneio, e ele dá sentido àquilo que vê”.

Apoiada pela Fundação cultural do Estado através do edital “Portas abertas para as Artes Visuais”, a obra não poderia dizer mais de seu criador. Artista plástico e poeta, formado em arquitetura, ele se mostra um artista versátil dentro de sua proposta. Nos seus 34 anos de carreira nas artes visuais caminhou pelo desenho, pintura, escultura, instalações e poesia. Transita entre a bi e a tridimensionalidade, entre a imagem e a palavra de forma fluida. A metamorfose de uma para outra às vezes não se completa e mesmo observando duas formas de expressão distintas elas parecem falar a mesma língua.

Apesar de percorrer o figurativo no início da carreira, fincou sua identidade pautada na arte conceitual, nos concretistas, neo-concretistas e minimalistas. Sempre os poucos elementos e o aspecto enxuto que vai direto ao ponto vão imperar em suas criações. “As minhas pinturas e esculturas são pensadas e executadas dentro de um mesmo princípio. A realização de uma única coisa ou criar, com o mínimo, um mundo” comenta em seu último livro Escritos sobre arte: arte, cidade e política cultural, lançado pela editora Cispoesia.

Almandrade, provavelmente por influência de sua formação em arquitetura, demonstra preocupação com a articulação entre objeto, espaço e cidade. Constrói seu imaginário criando objetos e situações que dialogam com a cidade, posto que é seu avesso deslocado no tempo e espaço. Sua racionalidade contrasta com a desordem, o caos, o excesso de informações e os modismos de uma sociedade saturada de tudo. Sua assepsia contrasta com as imagens da sociedade midiática e se distancia da colorida e construída baianidade. No mínimo um artista singular e constantemente inovador no cenário cultural da cidade de Salvador.

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Texto publicado nos sites:

http://www.expoart.com.br/artigos/?idt1=246

http://www.aldeianago.com.br/index.php?option=com_content&task=view&id=1879&Itemid=3

Horror Vacui do universo consumista infantil

Deu muito o que falar em 2005 e eu não sei porque. Não achei o máximo não. A artista coreano Jeong Mee Yoon faz um Balaio VOGUE kids pink & blue que aponta muito superficialmente questões de consumo e genero.

No Território Vasto: Cildo Meireles e Convidados

Cildo é um artísta de carreira longa, quase sempre presente. Desde a década de 60 até hoje Cildo cria obras para incomodados, para aqueles que muitas vezes se sentem desconfortáveis com certas questões sobre o mundo. Um drama que sempre muito bem apresenta esse artísta através de suas composições que se alimentam de paradigmas, deglutindo matérias que são símbolos, signos. Uma arte pensada e que exige do observador um olhar com o mínimo de treinamento para que se possa tentar uma aproximação com a dúvida, com a mensagem ou com a reflexão.

O Palacio da Aclamação foi o palco escolhido para receber a amostra chamada de No Território Vasto: Cildo Meireles e Convidados. Aqui em Salvador a iniciativa da UNE não foi muito comentada. Na amostra podemos ver algumas de suas obras mais famosas como Inserções em circuitos ideológicos e cruzeiro do Sul.

O artista tem como uma das últimas grandes chamadas de seu vasto currículo uma exposição na TATEM MODERN, uma das galeria de arte mais visitadas do mundo. No youtube a instituição divulga uma pequena entrevista e mostra a atividade que desenvolveu para aproximar obra e público.

Con.Tatos - Adalberto Alves, Liane Heckert e Nicolas Soares.

O setor educativo do MAM-Bahia vem promovendo diversos encontros (verdadeiros acontecimentos) entre artistas e seu público. Terça-feira pela primeira vez participei de um deles.: Adalberto Alves, Liane Heckert e Nicolas Soares falaram um pouco de suas carreiras e de seus trabalhos apresentados no 15º Salão. Uma iniciativa louvável tendo em vista a áurea de incompreensível e hermética que assombra a obra de arte moderna.

Adalberto Alves eu conheci através da Exposição RAID na Caixa Cultural. Ele trás de volta do desenho (se é que a técnica foi algum dia para poder ter voltado) rabiscado que decalca na parede com papel carbono fazendo uma arte que fica impregnada nas paredes da galeria e que está fadada a morrer no final da exibição. A impressão que me da os trabalhos dele é que um menino andou rabiscando a ultima página do caderno e insatisfeito com o pequeno espaço acabou extrapolando o suporte. Suas formas brincam com os corpo humanos. O que somos nós se não malabaristas nesse mundo desequilibrado? Estamos sempre a ponto de cair no poço da insanidade.

A dupla Liane Heckert e Nicolas Soares foram os responsáveis pela instalação “Insustentável” que articula um banco de vidro e uma fotografia fugaz de um casal. A obra é um convite a reflexão sobre relacionamentos, sobre a fragilidade das relações e brinca com a estética cinematográfica, com o vouyerismo. Não conhecia o trabalho dos dois e achei bastante interessante o que foi apresentado. É muito bom ver gente nova fazendo arte com substância. Os trabalhos e seus manking off podem ser visto no blog da dupla.

Levava comigo meus pupilos (e de Rene) do projeto "Museu e Escola: Parceiros no processo de preservação da memória". Eles se divertiram muito especulando sobre a as obras e as vezes interagindo com elas, o que mostra mais ainda que a arte contemporânea não é esse bicho de sete cabeças. Assistiram atentos as apresentações dos artistas, ficaram meio tímidos para participar do debate, mas no final bateram um papo com exclusivo com Adalberto Alves. A visita foi facilitada pela instituição que alem de disponibilizar uma van para levar e trazer os alunos desenvolveu uma atividade lúdica na escola um dia antes da visita.

Os artistas falaram um pouco das mensagens que tentaram passar, mas sempre deixando claro que a comunicação é aberta e que a obra se completa no público. Para mim é justamente isso que torna a arte contemporânea tão intrigante e tão "nossa", tão "do nosso tempo". Vivemos tempos de incerteza onde tudo está fadado ao fim. Fala-se em fim da história, fim das barreiras geográficas, fim da arte, fim dos tempos. O mundo está pouco conclusivo para abrigar uma arte conclusiva.

Na sua história a arte o tempo todo parece ter oscilado entre o clássico e o romântico, entre o racional e o irracional, entre razão e emoção, divididos em ciclos definidos. Há quem defenda que chegamos a um ponto em que a arte apresenta um certo hibridismo que não permite que esse ciclo se feche com clareza. No contexto do Décimo Quinto Salão eu fico com o romântico. A arte contemporânea quase sempre me deixa escolher.

Agradecimentos ao Sertor Educativo do MAM.

Post Secret

É próprio do ser humano guardar segredos e mais ainda querer saber o segredo do outro. Todo mundo tem aquele segredo que guarda somente para sí ou para poucas pessoas. Pode ser um fato engraçado, muito triste, criminoso, um desejo e até aquela mania que parece bobagem, mas é um pouco embaraçosa. Perpassando por essas ruelas do ser humano é que o artista Frank Warren desenvolve o projeto de mail art Post Secret.

O artista recebe postais em que pessoas de forma anônima revelam seus segredos mais íntimos. Todo domindo ele escolhe alguns e coloca no blog no projeto. O Post Secret iniciou em 2007 com apenas 10 postais feitos por artistas. Logo o proprio formato de blog do projeto suscitou muitos comentários e conseqüentemente a criação do fórum postsecretcommunity abrindo espaço para as outras pessoas colocarem seus segredos também. O resultado é uma viagem interessante pelo submundo secreto do indivíduo contemporâneo e muitas horas gastas na frente do PC as vezes dando risada, outras se espantando ou se emocionando com as confissões alheias.

Ps.: Obrigada a Ju Casal pela dica!

Google amanheceu artístico hoje.

Aniversário de Pollock. Estava precisando de um pouco de arte para começar bem meu dia.

Prado High Quality - Melhor? Só ao vivo!

Um dos Museus mais importantes do mundo tem uma iniciativa pioneira que beneficia os internautas e fãs de arte do mundo todo! Agora a gente pode acessar 14 obras primas através do google earth em uma qualidade incrível!14.000 megapixels!

Você pode ver a delicadeza das texturas, a poética do craquelê, as marcas da ação do tempo. Alcança um angulo de visão que nem ao vivo no museu você teria. A possibilidade de aproximação é incrível. Fiquei estarrecida ao constatar que não percebi as lágrimas nos olhos dos personagens de minha tela preferida: “descida da cruz” de Roger Van der Weyden. Da até pra ver um alfinete na cabeça da freira.

Um fator importante de se destacar é que você está livre da "fatiga museal", aquele cansaço que nos abate depois de tanto tempo de pé em um museu ou galeria. Lembro que passei o dia inteiro no Prado e quando cheguei no Jardim das Delícias já nem tinha animo pra me atentar as pequenas representações grotescas que anteciparam o surrealismo. Ontem pude m dar o luxo de passear pelos mínimos detalhes do famoso tríptico.

As imagens não vão substituir a ida ao museu tradicional, já que ainda temos muito de “valor de culto” (ainda bem!), mas é outra ferramenta a ser utilizada e espero que outros museus sigam o exemplo. Passou da hora dos museus perderem esse medo do “valor de exibição”. O tempo passou e ensinou que uma coisa não anula outra. A tecnologia nos abre novas possibilidades de percepção, indo além do olho, além do espaço real. Vamos deixar que as inovações tecnológicas somem e dialoguem com o passado traduzindo e, portanto, aproximando a arte das pessoas.

As obras digitalizadas foram:

Artemis by Rembrandt
Self Portrait by Albrecht Durer
The 3rd of May 1808 in Madrid by Francisco Goya
The Nobleman with his Hand on his Chest by El Greco
The Cardinal by Raphael
Descent from the Cross by Roger van der Weyden
Emperor Carlos V on Horseback by Titian
The Garden of Earthly Delights by Hieronymus Bosch
Jacob’s Dream by José de Ribera
Inmaculada Concepción by Giambattista Tiepolo
The Annunciation by Fra Angelico
Crucifixion by Juan de Flandes
The Family of Felipe IV, or Las Meninas by Diego Velázquez
The Three Graces by Peter Paul Rubens

Segue vídeo com o Making off...

Moleskine Art

Acharam o moleskine de Van Gogh na Grécia! Perdido desde a 1ª grande guerra, o caderno de anotações do pintor contém rabiscos de grandes obras suas do período em que freqüentou a Royal Academy of Art de Bruxelas. Ainda não foi autenticado, mas tudo indica que é dele mesmo.

Você deve estar se perguntando o que é um Moleskine? Moleskine é uma famosa marca italiana de caderno de notas. Mas não é qualquer caderno de notas... Um professor de estética já havia comentado sobre eles e eu nem dei bola. Ele tinha um Moleskine e sempre falava dele com uma colega e eu ficava: "o que esses dois veem tanto nessa caderneta? Só porque o papel é de qualidade e ela abre 180º? Grandes coisas!".

Um belo dia numa das minhas ciberandanças pelo youtube me deparei com a arte feita em Moleskines. Aí entendi que o angulo de 180º é ótimo para realizar desenhos e conheci os usuários ilustres que deixaram seus pensamentos e sua arte registradas nesses caderninhos e deram uma aura especial a marca. Seus usuários mais famosos foram Vincent Van Gogh , Henri Matisse , Pablo Picasso, André Breton, Louis Férdinand Céline, Neil Gaiman, Jean Paul Sartre e Ernest Hemingway. Por conta disso o Moleskine não poderia deixar de ser referenciado no cinema em filmes como Le fabuleux destin d'amélie poulain, Indiana Jones and the Last Crusade, The Da Vinci Code, Magnólia e The Talented Mr. Ripley.

Até hoje o Moleskine é feito a mão, mas não mais na Itália. Mãos chinesas trabalham para a Moleskine, a modernidade chegou de alguma forma... Em 2007 a Moleskine vendeu 10 milhões de unidades. Mas para fazer anotações com estilo é preciso pagar um preço um pouco alto. Um Moleskine tradicional no Brasil custa entre 80 e 150 reais.

Interessante o desdobramento que um simples caderno de anotações podem ter. O Moleskine implacou como suporte de arte. Existem até versões com papéis especiais para aquarela. A arte em Moleskines pode ir tanto rabiscos de ultima página de caderno até obras de arte antiga. Os trabalhos mostram que não há limites para a imaginação.

No ano de 2006 iniciou a exposição itinerante "Detour", em Londres, exibindo 70 Moleskines de artistas, arquitetos, escritores, ilustradores e designers. Em 2007 a amostra foi para Nova York, em 2008 Paris e Berlin. Este ano pretende passar por Istambul e Tokyo. No site do projeto você encontra um arquivo de vídeos e na internet também pode-se ver vários filminhos interessantes. Eu separei meus preferidos. Divirtam-se, e se gostarem procurem mais no youtube!

Lori Earley

Sabia que a vocalista do The Asteroids Galaxy Tour me lembrava alguma coisa! Desde meu primeiro Blog que eu acompanho o site da Lori Earley. Eu adoro retratos e auto-retratos mais ainda. Então depois de Cindy Sherman acho que a Lori é minha preferida.

Salvo o primeiro retrato todos os outros são óleo sobre tela. Uma técnica tão clássica representando imagens surrelistas, contemporâneas e tão características da artista. Lori parece se pintar como uma modelo anorexica, pescoçuda que de tão magra fica deformada e mesmo assim Bela. Ás vezes parece também uma imagem de Suicide Girl decadente. Não poderia ser mais atual.

O processo de composição da tela é interessante. Primeiro a artista tem a idéia, escolhe a modelo, a roupa, cria a ambientação e tira uma foto. A partir dessa foto ela desenha e depois colore com as tintas. Quando o assunto são as influências além de citar os mais óbvios como Ray Caesar e clássicos como John Singer Sargent, cita designers de moda como Jean Paul Gaultier, Jennifer Nicholson e Alexander MqQueen.

Trilha sonora para começar 2009, Versão do Muse de Feeling Good!

Birds flying high you know how I feel
Sun in the sky you know how I feel
Reeds drifting on by you know how I feel
Its a new dawn it's a new day its a new life for me
And I'm FEELING GOOD!

Fish in the sea you know how I feel
River running free you know how I feel
Blossom in the trees you know how I feel
It's a new dawn its a new day it's a new life for me
And I'm feeling good

Dragonflies all out in the sun
You know what I mean, don't you know
Butterflies are all having fun
You know what I mean
Sleep in peace
When the day is done
And this old world is new world and a bold world for me

Stars when you shine you know how I feel
Scent of the pine you know how I feel
Yeah freedom is my life
And you know how I feel
Its a new dawn its a new day its a new life for me
And I'm feeling good

Para começar 2009 refletindo, David Shrigley

Mais em http://www.davidshrigley.com/